Ojos que ven, corazón que siente y blanco y negro

Mondas de naranja, otras frutas en putrefacción esparcidas junto a cajas de madera hechas añicos, periódicos mojados que lloran tinta desde el cubo desbordado, vasos de plástico vacíos, cartones desperdigados rodeando montones de bolsas rotas, intestinos de porquería sangrando en la acera. Gente pasando como si nada, borrón en la foto,  por encima y al lado de todo ello. Luz mortecina, blanco y grisáceo debido a la niebla del ocaso, farolas, aún apagadas al fondo, y el brillo amortiguado creador de esa atmósfera desasosegante y pesada que recuerda a la metrópolis, negra, gris.

Esta foto aquí escrita no existe. Al menos, indiscretos nosotros, no la hemos visto plasmada, captada tal y como se describe, cada detalle, igual igualica, por ninguna cámara fotográfica haciendo así el milagro (al menos de momento). Podemos intentar recrearla mediante palabras, como así ha sido, pero no será nunca la auténtica imagen, la traducción de realidad a captación de la misma, ese momento que la instantánea recoge, sin que nunca más pueda volver a repetirse. Nunca igual, nunca el mismo fotograma. Las calles de Madrid, que apestan cada día más, albergan hoy tres exposiciones a las que hemos asistido a lo largo de este mes, han hecho que la capital sea ciudad del monocromo y de fotógrafos del claroscuro  gracias a la multitud de exposiciones que aquí y allá aparecen, elevando la fotografía al nivel de las otras artes plásticas porque… ¿Acaso se puede llamar arte a este acto de plasmación directa de lo real?

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Dos instantáneas de la exposición: A la derecha, parte de la serie del País Vasco francés por Robert Capa; y a la izquierda, niño vienés cogido infraganti por Erich Lessing. Fuente: MadridFree.org

Nos remontamos ahora a 1955, año en que tuvo lugar la primera exposición de la Agencia Magnum en Austria. La Agencia Magnum, actualmente la más importante del mundo, la crearon el húngaro Robert Capa, el francés Henri Cartier-Bresson, el polaco David Seymour, el británico George Rodger y el norteamericano William Vandivert desde Nueva York. Las fotografías que entonces se expusieron, tomadas entre 1947 (año cero para la agencia) y 1954, mostraban por vez primera los hechos que en aquella realidad lejana y turbulenta acontecían desde un punto de vista totalmente nuevo. Se unían el reportaje clásico con la visión humana, real y cercana, haciendo del fotógrafo no solo un testigo sino un actor.

Esas primeras fotografías de la Agencia se exponen hoy en Madrid, tras 50 años perdidas y olvidadas en el Instituto Francés de Innsbruck (Austria) bajo el nombre de “Magnum’s First“. En ellas podemos ver una muestra de los diferentes trabajos que cada uno de estos autores acometían desde “su” continente, dado que literalmente se dividieron el mundo para cubrirlo. Pasando por la vida de aquellos años en Londres, el gran acontecimiento de la muerte de Gandhi o los juegos de niños en Viena, no se tarda demasiado en empatizar con esos nuevos conceptos de la fotografía pese a que el relato de la exposición se difumina un poco, debido a que los temas no tienen mucho que ver unos con otros y que a su vez estás retratados por autores  diferentes que influyen de forma superlativa en el resultado final de cada imagen. Sin embargo, es una muestra muy valorable debido principalmente al carácter innovador en su época, al gran sentimiento que en muchas de ellas pone el fotógrafo al darle su visión propia., y a que es el inicio de esa “New Photography“. La muestra estará hasta el 19 de enero de 2014 en la Fundación Canal de Plaza de Castilla y es… GRATIS! (yuhuuu).

De la misma forma pudimos acceder a la siguiente exposición fotográfica que nos ocupa, si (in)discretamente llegáis al Museo Reina Sofía entre las 19 y las 21 horas antes del 24 de febrero del año que viene (esperemos que os de tiempo). En ella, y de la misma manera que los Magnumísimos hicieran unos años antes, Chris Killip retrata la sociedad obrera del norte de Inglaterra y la Isla de Man (donde nació en  1946) desde un punto de vista sensible y participativo. Fotografía la gente, esos ingleses deprimidos desde los 70. Pueblos de astilleros, de marineros, jóvenes punks, protestas de mineros, veraneantes… Expresiones fruncidas de tristeza, desesperanza, esfuerzo o desencanto sorprenden en muchas ocasiones contraponiéndose a imágenes de paisajes espectaculares que funden lo natural con lo industrial, creando el ambiente sucio y penoso, la auténtica inmersión en la miseria; la época oscura del gigante inglés.

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“Pirelli work”, Tyre Bullder, 1989. Fuente: masdearte.com

Sin embargo, es también el ojo de Killip quien provoca esa empatización con los protagonistas de sus capturas retratándolos desde una visión participativa y realmente implicada, como se puede leer en los pequeños párrafos que acompañan cada “capítulo” de la muestra, divididos por los proyectos del autor, como el que tuvo que efectuar en una fábrica de neumáticos en la que no tenía luz y dentro de la que permaneció semanas y semanas, llegando a ser amigo de los obreros y utilizando el flash finalmente;   o la implicación que tuvo en un pequeño pueblo costero llamado Lynemouth al que el autor volvía periódicamente y en el que retrataba a sus gentes, la forma de vida de éstas, su manera de ganarse el pan gracias al mar y el amor que hacia éste profesaban todos y cada uno de los que allí vivían.

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Serie “Seacoal”, Lynemouth, ©Chris Killip.
Fuente: wayneford.tumblr.com

“Yo estoy interesado en la gente que vive la historia, a través de ella; no en quien la escribe, esos son otros” tal y como él hace, también crea historia con sus fotografías. Retrata, así, momentos, miradas, movimientos y paisajes durante unos años en los que la sociedad de aquel país se veía en momentos de profundísima transformación debido al declive de las economías de producción industrial que en esa zona habían ayudado a salir adelante a muchísimas familias. El título de la exposición es “Work”, y no podría ser más adecuado ya que es la radiografía a una clase obrera muy empobrecida y vapuleada a su vez por políticas liberales muy agresivas.

 Pero para radiografías del ser humano, la última exposición de la que hoy hablamos más en profundidad y que, de la misma manera que las dos anteriores, muestra en todo su magnífico esplendor de blancos, negros y grises, como la vida misma, los personajes, los espacios captados, pero sobre todo las personas detrás de esa máscara de la vida pública: Terry O’Neill en la Fundación Telefónica. Hasta el 12 de enero todos esos retratos brillantes de gente más brillante aún, ya desmenuzado preciosamente en nuestra sección de sobrevolando con motivo de su inauguración hace tres semanas, esperarán la visita de todos esos curiosos que quieran acercarse a la visión de ese gran Terry, amigo de los famosos. Como Killip entre los obreros de las fábricas, O’Neill entre las superestrellas del Hollywood de los 70 hasta hoy, la realidad captada es la que ellos mismos viven moviéndose entre los protagonistas de sus magníficos retratos. La belleza auténtica y sin tacha de Brigitte Bardot mientras desayuna, la mirada de Eric Clapton  al consumir su cigarrillo, unos jovencísimos Rolling Stones posando casualmente en la puerta de una tienda de discos…

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Clint Eastwood en un descanso del rodaje de Joe Kid (Arizona, 1972).
Fuente: espacio.fundaciontelefonica.com

Personajes del mundo del arte, la política, el deporte, han sido sus obreros particulares, llegando al fondo del asunto de la forma más simple pero complicada a la vez: formando parte de la realidad retratada sin aparecer en la imagen final. Ya hablemos de personas, de la estrecha amistad que el británico tenía con Ringo Starr (por ejemplo), o de lugares, situaciones que Robert Capa ya intentaba retratar internándose en lo más profundo de las mismas, como se aprecia en la serie sobre la muerte de Gandhi; en los disturbios del carbón que Killip captó; o en las grandes fiestas a las que O’Neill era invitado. 62 imágenes poderosas, bellas, amenas y llenas de emoción y atracción sobre las que leer algo más en las palabras de otra Indiscreta aquí.

Y para ya terminar con un poco de esta belleza de la realidad que algunos gustan de encerrar entre marcos, proponemos una exhibición más en las que las luces y el ruido quedan relegados a segundas posiciones. En el Círculo de Bellas Artes, y hasta el 12 de enero, podremos disfrutar del ámbito menos personal y humano que posee la fotografía documental de Francesc Català-Roca, mostrando una retrospectiva de su obra “alejada sin titubeos de cualquier tentativa experimental y de cualquier ambición artística”. La realidad tal y como es, tal y como él la capta, intentando quizás dar de lado esa subjetividad obligada en todos los quehaceres vitales y alejándola de las imágenes sensibleras  la España de los cincuenta documentada.

Y es con Francesc con quien surge de nuevo y como conclusión el debate acerca de si la fotografía puede considerarse arte en toda la medida del concepto. No estamos creando nada comparable a un cuadro, por ejemplo, una escultura, un vestido, una pieza musical… Dado que lo que se captura ya existe, es simplemente la perspectiva y la huella del fotógrafo lo que otorga las particularidades que puede tener la foto y la diferencia de lo que toda la gente puede ver. El instante recogido, que podría ser otra elección distinta de la de otra persona; la luz, la perspectiva, el relato o significado que se quiera dar a la imagen… No suele llegar con igual claridad que un dibujo. Aunque eso pienso yo. Ahora. Quizás mañana no sea así.

Sed felices.

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One response to “Ojos que ven, corazón que siente y blanco y negro

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